Les astuces des pros

Si vous décidez de faire une animation en 2D à « plat », tout sera positionné sur une table et la caméra sera fixée sur un support au-dessus de votre espace de travail, permettant des prises de vues à la verticale.

Vous pourrez combiner plusieurs techniques :

• Papier découpé: Les personnages sont fabriqués comme des pantins : jambes, corps, tête, séparément, que l’on assemble ensuite avec de la patafix. On peut aussi animer des formes géométriques, en les faisant grossir, rétrécir, se transformer en substituant la forme originale par d’autres formes qui donneront l’illusion d’une transformation.
• Animation à la craie sur ardoise : on dessine sur l’ardoise, et les photos sont prises au fur et à mesure de l’évolution du dessin.
• Pâte à modeler : On peut aussi animer la pâte à modeler « à plat » afin d’éviter les problèmes d’équilibre.
• Matières poudreuses : Thé, sable, tout est possible, on fait évoluer la matière à l’aide d’un pinceau.
• Peinture sur verre : On peint sur une plaque de verre, en faisant évoluer les couleurs et les formes.
• Matériaux, objets animés : On anime des matériaux divers et variés, comme par exemple des bouchons, des boutons, des végétaux, etc…
• Animation de photo : Une photo est utilisée comme arrière-plan, on superpose dessus des rodoïdes (feuilles transparentes) sur lesquels on dessine. Le dessin va alors modifier la photo et en faire une image en mouvement.

Pour l’animation en « volume », tout sera positionné sur un « plateau » et la caméra sera fixée sur un pied, permettant des prises de vues à l’horizontale.

Il vaut mieux faire un décor plus large que nécessaire, cela donne un peu plus de liberté dans le placement de la caméra quand on filme. Quand vous construisez vos personnages, vos décors et vos accessoires, soyez attentifs à ce que vos personnages ou décors ne soient pas trop gros ou trop petits pour remplir correctement l’image.

Un film est rarement tourné dans l’ordre, quand un décor est installé, on tourne tout ce qui doit être fait dans ce décor, on remettra de l’ordre au montage.

Vous pouvez aussi combiner plusieurs techniques :

• Animation d’objet : On anime des objets divers et variés, par exemple des jouets, des végétaux, des bouchons, etc…
• Animation de figurines ou de jouets : On anime des figurines en trois dimensions avec des membres mobiles (figurines « animables »)
• Animation en pâte à modeler : On travaille l’argile ou la pâte à modeler. Pour les personnages, le mieux est de fabriquer une base en fil d’aluminium que l’on recouvre ensuite de pâte à modeler ou d’argile, afin de pouvoir le manipuler plus facilement.
• Pixilation : Des acteurs « réels » décomposent leur mouvement, ils font des pauses pour pouvoir être photographiés

Lorsqu’on fait défiler ses photos préférées sur son téléphone, l’œil perçoit la différence entre deux images. En accélérant la vitesse de défilement, l’œil distingue de moins en moins le passage entre deux photos. 12 images par seconde suffisent à rendre la lecture fluide, et à partir de 24 images par seconde l’œil ne perçoit plus aucun sautillement. Si les images n’ont aucun lien les unes avec les autres, il verra une bouillie de couleurs. Si les images sont liées dans la décomposition d’un mouvement, par exemple les photos successives d’un chat en train de bailler, il ne verra qu’un mouvement continu et fluide d’une bouche qui s’ouvre.

C’est sur ce principe qu’a été inventé le cinéma à la fin du 19ème siècle : pour donner l’illusion d’une fluidité dans le mouvement, il suffit de projeter 24 images par secondes.

Petit secret de fabrication : Pour le cinéma d’animation, on s’est rendu compte qu’en prenant 12 photos par seconde (chaque image sera ensuite doublée dans l’export vidéo, soit 24 images par seconde) on pouvait obtenir des mouvements fluides. Par contre, pour les mouvements très rapides, comme un personnage en train de tomber ou une flèche en train de voler, il est préférable de prendre 24 images différentes par seconde.

La fabrication des décors est le royaume de l’astuce et de l’imagination. C’est le moment magique ou on voit l’idée se transformer en quelque chose de concret. C’est vous qui décidez du niveau de détails, mais il vaut mieux appliquer certaines règles pour que le tournage se passe bien.

Il faut que tout soit collé ! Ne doit bouger que ce qui est prévu, car l’œil du spectateur est attiré par ce qui bouge. Que ce soit sur votre banc titre « à plat », ou sur votre plateau en volume, si quelque chose (élément de décor, accessoire) bouge « par erreur », cela perturbe la lecture du film.
Si vous tournez dans un lieu réel, comme une cuisine, les accessoires et les arrière-plans doivent être immobilisés de manière à ce qu’un arbre, un rocher ou une maison ne change pas de position entre les plans.

Même le plateau, la caméra, et les lumières doivent être fixés.

Le pistolet à colle est bien pratique pour les décors en volume, car la colle tient bien les éléments et s’enlève facilement avec de l’alcool à brûler. Pour les éléments à fixer « à plat » sur une table, quelques morceaux de patafix devraient suffire.

Un film est rarement tourné dans l’ordre, quand un décor est installé, on tourne tout ce qui doit être fait dans ce décor, on remettra de l’ordre au montage.

Quand vous faites de l’animation, prenez votre temps et ne soyez pas impatient. Il est simple et rapide d’obtenir avec Baku un premier résultat satisfaisant. Mais si vous cherchez la perfection, il vous faudra un long processus d’apprentissage. Pour rendre les mouvements des personnages convaincants vous devez faire plusieurs essais pour comprendre comment ça marche.
Essayez de vous filmer ou un ami jouant les scènes devant la caméra. De cette manière, vous pouvez mieux préparer les gestes et positions de vos personnages animés. Cherchez différentes photos de gens ou d’objets en train de bouger et regardez à quoi elles ressemblent. Observez comment les animaux bougent dans la nature ou imaginez comment les objets peuvent « marcher ». Pour chaque personnage de votre film, vous pouvez aussi créer des types de mouvement particuliers, comme sautillant, rampant ou roulant. Il n’y a pas de limites à l’imagination.

Il est nécessaire de laisser des « pauses » entre chaque action d’un personnage, (trois photos identiques à chaque fin d’action permettent une meilleure fluidité dans les mouvements). Rappelez-vous : votre histoire va se dérouler au rythme de 12 images par seconde ! Si votre personnage arrive, discute avec son ami, monte dans sa voiture, et quitte la scène en 12 images… vous aurez un petit problème ! Essayez d’évaluer le temps que doit durer l’action.

Vos personnages, qu’ils soient théières, animal ou être humain, portent votre histoire.  Travaillez à leur faire exprimer leurs émotions, à leurs gestes et aux expressions de leur visage. Travaillez leur apparence pour les rendre singuliers, et reconnaissables.

Gros, maigre ? Avec un gros nez et de petits yeux, ou de grands yeux et un petit nez ? Ont-ils des jambes longues ou courtes ? Semblent-ils être gentils ou méchants, jeunes ou vieux, quelle est la couleur de leurs cheveux ? Et quel genre de vêtements portent-ils ?

Quelle est l’apparence des personnages quand ils sont joyeux ou tristes ? Combien de formes de bouches sont nécessaires pour donner l’illusion de la parole ? Comment les paupières, les sourcils et les yeux bougent-ils ? Tous ces éléments sont très importants pour exprimer les émotions.

Mettez-vous dans leur tête (même d’une théière !) et imaginez : pourquoi font-ils ces gestes ? Y a-t ’il d’autres personnages qui les aident ou qui leur posent des problèmes ? Sont-ils amis avec quelqu’un, ou peut-être amoureux ?

Il est intéressant de faire plusieurs exemplaires du ou des personnages principaux : à force de les manipuler, ils se salissent et se déforment… En avoir deux permet à l’un de jouer pendant que l’autre se fait réparer.